L’APOTHÉOSE - Telemann Concerti

Ficha Artística

L’Apothéose

Dorothee Oberlinger, flauta dulce

Josep Domènech, oboe

Eyal Streett, fagot

Laura Quesada, traverso

Víctor Martínez y Roldán Bernabé, violines

Kepa Arteche, viola

Carla Sanfélix, violonchelo

Asís Márquez, clave

Programa

Telemann Concerti

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Conclusion en mi menor TWV 50:5 [Tafelmusik, 1733]

Allegro – Largo – Allegro da capo

Concierto para flauta dulce, fagot, cuerda y continuo en fa mayor TWV 52:F1

Largo – Vivace – Grave – Allegro

Concierto para oboe, cuerda y continuo en do menor TWV 51:c1

Adagio – Allegro – Adagio – Allegro

Concierto a 4 en la menor TWV 43:a3

Adagio – Allegro – Adagio – Vivace

Concierto para flauta dulce, cuerda y continuo en do mayor TWV 51:C1

Allegretto – Allegro – Andante – Tempo di Minué

Concierto para flauta dulce, traverso, cuerda y continuo en mi menor TWV 52:e1

Largo – Allegro – Largo – Presto

Notas

Prolífico como pocos compositores de la historia, Georg Philipp Telemann mostró desde muy joven una rara habilidad para la ejecución musical con casi cualquier instrumento que el destino pusiera en sus manos. Al parecer tocaba de manera muy competente el violín, la viola da gamba, el contrabajo, las flautas (tanto dulce como travesera), el oboe, el chalumeau, el fagot, el clave, el órgano, la trompa y la tiorba. Aunque algo de legendario puede haber en esta relación, la variedad tímbrica de su repertorio y el idiomatismo general de su escritura para casi cualquier instrumento parecen dejar claro que mucho de ello debía haber.

Telemann compuso música en todos los géneros vigentes en su tiempo, de la cantata de iglesia y el concierto a la suite, la sonata, la ópera o las pasiones, utilizando todos los recursos estilísticos que tuvo a su alcance, ya fueran italianos, franceses o alemanes y abriéndose al empleo del folclore (real o inventado) de la periferia europea (la música polaca fue por ejemplo una especialidad de la casa). Por eso, el Clasicismo, entendido como un estilo internacional nacido de la fusión de múltiples elementos nacionales, le debe mucho. Telemann podía ser tan estricto con el contrapunto como para escribir fugas como los mejores compositores alemanes de su tiempo, pero supo entender que el futuro cercano era de la melodía y cultivó el estilo galante a la altura de los mejores maestros preclásicos.

Este programa muestra el interés que Telemann puso siempre en la combinación de géneros, estilos e instrumentos diferentes. Está dominado por conciertos a la italiana, en una forma en cuatro movimientos que remitía a las sonatas de Corelli antes que a los conciertos tripartitos de Vivaldi, pero en los movimientos rápidos se encomienda al estilo ritornello (estribillo con pasajes intermedios) característico del veneciano, mientras en los lentos se deja llevar por un sentido rapsódico que apuntaba a las fantasías con abundante recurso al cromatismo que pronto sería habitual en el estilo sensible, que tanto cultivó su famoso ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.

Todos los conciertos que aquí se presentan están escritos para instrumentos de madera solistas, un terreno en el que el magisterio del compositor resulta incuestionable. Los conciertos dobles han sido especialmente valorados, tanto el escrito en fa mayor para flauta dulce y fagot como el en mi menor para flauta dulce y travesera. Este último ejemplifica a la perfección mucho de lo dicho hasta ahora: en sus movimientos lentos, los solistas traman sus líneas con diálogos expresivos y sugerentes, ricamente ornamentados, mientras los rápidos son bien diferentes entre sí: el Allegro es un movimiento dramático, de gran intensidad y carácter imitativo (como era prescriptivo en los segundos tiempos de las sonatas), mientras el Presto conclusivo recrea un aire folclórico polaco.

Dos obras se salen de este general carácter compartido: el Concierto a 4 en la menor para flauta dulce, violín, oboe y bajo continuo es una obra de naturaleza camerística cercana a los concerti da camera que también cultivó Vivaldi, aunque Telamann vuelve a preferir la fórmula corelliana en cuatro tiempos (lento-rápido-lento-rápido) con el segundo de ellos fugado. Más excepcional es la apertura del recital, que forma parte de la Tafelmusik, una colección enmarcada en la tradición de la música para acompañar banquetes, que constaba de tres partes cada una de las cuales incluía una suite-obertura, un cuarteto, un concierto, un trío, una sonata para instrumento solista y continuo y una conclusión final, para las que Telemann empleó instrumentaciones de extraordinaria variedad. La Conclusion en mi menor era el movimiento final de la primera parte (o Producción I): Telemann la escribe para dos flautas, cuerda y continuo y le da la forma de la sinfonía italiana tripartita con una repetición del Allegro de salida.

© Pablo J. Vayón

Textos

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Biografía

L’Apothéose

De las aulas de un Conservatorio a ganar una docena de premios y convertirse en grupo residente de la mayor institución española de música clásica, todo en menos de 4 años. Esta es la historia única de L’Apothéose, el ensemble español que se ha convertido en la nueva referencia de la interpretación histórica en la escena musical europea.

Con su experto dominio y entusiasmo, L’Apothéose da un toque personal a cada pieza musical en la que trabaja, centrándose en explotar al máximo el contenido retórico y emocional de cada obra. Gracias a estas cuidadas interpretaciones, L’Apothéose ha sido aclamado por público y crítica, siendo premiados en todas las competiciones a las que se han presentado. L’Apothéose cuenta con galardones que incluyen el Primer Premio, Premio EUBO Development Trust y el Premio Friends of York Early Music Festival en la 2019 York Early Music International Young Artists Competition (Reino Unido), el Segundo Premio en la prestigiosa Internationaal Van Wassenaer Competition 2018 dentro del Festival Oude Muziek en Utrecht (Países Bajos), Primer Premio en la Göttingen Händel Competition 2017 (Alemania) y el Segundo Premio en el Concours International de Musique Ancienne de Val de Loire 2017 (Francia), presidido por William Christie.

Fieles a los valores de calidad y autenticidad, los cuatro miembros de L’Apothéose centran su trabajo en la recuperación del repertorio histórico español, así como en la exploración de un nuevo discurso en la obra de reconocidos compositores internacionales, con especial atención a autores alemanes como Haendel, Telemann o J. S. Bach. L’Apothéose ofrece una nueva concepción de la música barroca, con interpretaciones apasionadas y llenas de colorido, que han capturado a la audiencia más exigente de respetados escenarios de España, Francia, Italia, Alemania, Holanda, Reino Unido y Colombia. Entre otros, el ensemble ha sido invitado a prestigiosos festivales internacionales como el Oude Muziek de Utrecht (Países Bajos), el Festival d’Ambronay (Francia), el Internationale Händel Festspiele Göttingen (Alemania), el York Early Music Festival y el London Festival of Baroque Music (Reino Unido), y nacionales como el Festival Internacional de Santander, la Quincena Musical de San Sebastián, el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, el Festival de Torroella de Montgrí, el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza y el Festival de Música Antigua de Sevilla, entre otros. En la temporada 2019/20, L’Apothéose fue nombrado grupo residente del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), consolidando así su posición como uno de los más reconocidos ensembles de la escena musical española.

Sus grabaciones Tesoros Musicales de la Biblioteca Nacional de España (2018-DM&DM) y Händel Tribute (2019-IBS Classical) han sido extensamente aclamadas por la crítica, siempre valoradas con la máxima puntuación. Su disco Händel Tribute ha sido destacado como disco recomendado del año 2019 por la revista Scherzo, y ha sido alabado incluso en EEUU, en la revista especializada de la South California Early Music Society.

El nombre del ensemble fue inspirado por el título de la obra L’Apothéose de Corelli de François Couperin, pieza que constituyó el primer proyecto musical de los integrantes del grupo y punto de partida de una fructífera andadura musical.

Dorothee Oberlinger, flauta dulce

Dorothee Oberlinger es hoy una de las principales flautistas de su generación. Su debut en 1997 como ganadora del Concurso Internacional SRP/Moeck Uk en el Wigmore Hall de Londres generó numerosas invitaciones a conciertos y festivales en toda Europa, América y Asia.

Como solista toca con el Ensemble 1700, que fundó en 2002, así como con reconocidos conjuntos y orquestas barrocos, como Sonatori de la Gioiosa Marca, Musica Antiqua Köln, Akademie für Alte Musik Berlin, Academy of Ancient Music, London Baroque, Concerto Melante, Zefiro y L’Arte del Mondo.

Las grabaciones de música barroca de los siglos XVII y XVIII de Oberlinger se hacen eco de los más altos honores de los críticos internacionales. Ha sido galardonada con el prestigioso Premio Echo Klassik, que incluye la categoría mejor instrumentista del año. Asimismo ha sido galardonada con el prestigioso premio ICMA 2020 como mejor solista instrumental barroco por su CD Night Music junto con I Sonatori de la Gioiosa Marca.

Hizo su exitoso debut como directora en Salzburgo en 2011, con su propia producción de la ópera de Haendel Lucio Cornelio Silla en la temporada del WDR Tage Alter Musik en Herne en 2016 y en el Göttinger Händel Festspiele 2017, ambas bajo su dirección.

Dorothee Oberlinger ha sido profesora en la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde dirige el Instituto de Música Antigua desde 2004. Al mismo tiempo, también está involucrada en la música contemporánea y ha colaborado en el disco Touch junto con el dúo de pop suizo Yello. Por sus méritos musicales, Dorothee fue nombrada ciudadana honoraria de Simmern, su ciudad natal, en 2016; en el mismo año, la Telemann City-Nework la designó embajadora de Telemann.

En 2020, recibió el prestigioso Telemann Award.

Desde 2021, es miembro de primera clase de la Orden del Mérito de la República Federal Alemana.

Desde 2009, Dorothee es directora musical de la Arolser Barockfestspiele de Bad Arolsen y asumió el cargo de directora musical del Musikfestspiele Potsdam Sanssouci, un festival con más de 50 eventos en torno al castillo de Potsdam Sanssouci, donde también dirige regularmente producciones de ópera barroca.

Josep Domènech, oboe

Josep Domènech Lafont, natural de Amposta (Tarragona), ciudad donde también se inició en el mundo de la música estudiando oboe con Mercè Falcó. Posteriormente, estudió en el CSMMB, obteniendo con Premio de Honor el título Superior y, seguidamente, en la Musikakademie der Stadt Basel, donde estudió el posgrado suizo. Su trayectoria en formación concluyó en el Conservatorio Superior de Música de Ámsterdam.

En su formación como músico de orquesta ha trabajado con directores y músicos como G. Antonini, Sir Simon Rattle, Sir John Eliot Gardiner, P. Herreweghe, J. Savall, K. Bezoidenhout, R. Jacobs, entre otros.

Desde 2019, es titular como oboe solista de la orquesta alemana Freiburger Barockorchester, grupo especializado en músicas escritas del siglo XVIII hasta partituras escritas de principios del siglo XX con instrumentos históricos.

En el ámbito de la docencia, ha sido del conservatorio de Toulouse (Francia). En la actualidad, es profesor titular en el Conservatorio Superior de Ámsterdam y profesor en la Esmuc de Barcelona

Su interés por la retórica musical y la filología musical le lleva a colaborar en diferentes proyectos educativos y de formación con jóvenes orquestas y diferentes masterclasses en los cinco continentes.

Colabora con el constructor catalán de oboes Pau Orriols.

Eyal Streett, fagot

Eyal Streett nació en Jerusalén. De adolescente descubrió el mágico mundo de la música antigua, que se convertiría en su pasión. Este descubrimiento le llevó a estudiar fagotes históricos en el Real Conservatorio de La Haya y, más tarde, en la Civica Scuola di Musica de Milán. En la actualidad, realiza giras regulares con los principales ensembles de música antigua y es miembro de la Freiburger Barockorchester. Eyal experimenta y busca constantemente diferentes formas de utilizar la música para despertar y mover las pasiones del público del siglo XXI.

Laura Quesada, traverso

Laura Quesada es un músico multidisciplinar (flautista/teclista especialista en instrumentos históricos) y miembro fundador del proyecto L’Apothéose, grupo de cámara basado en la interpretación historicista del repertorio del siglo XVIII considerado hoy en día como uno de los más relevantes del panorama musical español.

Empieza su pasión por la música a los 4 años tocando el piano. Más tarde es admitida en el Centro Integrado de Enseñanzas Artísticas Padre Antonio Soler (San Lorenzo de El Escorial, Madrid) donde estudia piano, clave y flauta travesera terminando sus estudios profesionales con mención de honor en composición. Posteriormente estudia el grado y máster de flauta travesera en el Conservatoire Royal de Mons (Bélgica) con Marc Grauwels consiguiendo la mención de Gran Distinción y en Francia en L’École Normale de Musique de Paris con Mihi Kim, donde consigue los títulos de flauta y piccolo, este último con mención de honor y felicitaciones del jurado. Más tarde atraída por la música antigua, es admitida en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid donde estudia con Alberto Martínez y Guillermo Peñalver obteniendo el título de clave con sobresaliente y el de traverso con matrícula de honor, así como el premio de honor de fin de carrera en esta especialidad.

Laura ha ampliado su formación con músicos como Claire Guimond, Kate Clarke, Alexis Kossenko, Wilbert Hazelzet, Ashley Solomon, Richard Egarr, Josep Domènech, Frank Theuns, Guido Morini, Jesper Christensen, Beatrice Martin, Diego Ares, Jacques Ogg, Ton Koopman, Aurèle Nicolet, Pierre-Ives Artaud, Jaime Martín, Sophie Cherrier, Julia Gállego, y Emily Beynon entre otros.

Cuenta con 17 premios internacionales y nacionales conseguidos en diferentes competiciones como la Internationaal Van Wassenaer Competition (Países Bajos), Göttingen Händel Competition (Alemania), Concours International de Musique Ancienne de Val de Loire (Francia), York Early Music International Young Artists Competition (Reino Unido), Concours International Le Parnasse (Francia) y participado en proyectos y agrupaciones como The Gabrieli Consort & Players, The Ton Koopman Academy, Los Elementos, Nereydas, La Madrileña, La Tempestad, La Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, The Britten-Pears Baroque Orchestra, Orchestre de Chambre de Wallonie, The European Royal Ensemble, EuroAsia Orchestra, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Joven Orquesta Barroca de Andalucía y Presjovem Orchestra entre otras.

Esta gran actividad lleva a Laura a tocar en grandes salas y festivales de Europa, Asia y América como el Oude Muziek de Utrecht en los Países Bajos, el Festival d’Ambronay en Francia, el York Early Music Festival en Reino Unido, el Palais des Beaux-Arts de Bruselas en Bélgica, el Internationale Händel Festspiele Göttingen en Alemania, el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá en Colombia o el Festival Internacional de Santander, la Quincena Musical de San Sebastián, el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza y el Festival de Música Antigua de Sevilla en España. En la temporada 2019/2020 participa en L’Apothéose como grupo residente del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) realizando una gira de diez conciertos en Colombia, Italia, Londres y España.

En la actualidad es miembro de L’Apothéose y encargada de la producción y gestión del mismo. Trabaja como profesora privada, músico de estudio, así como clavecinista y traversista en diferentes agrupaciones de música antigua

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